La forma sonata en el siglo XX

En el Conservatorio Profesional de Música “José Castro Ovejero” de León, se realizó el pasado miércoles, 3 de Diciembre, un concierto didáctico sobre “La forma sonata del siglo XVII al XX”. Aquí os dejo las notas al programa con información del concierto.

En el siglo XX, los compositores han utilizado esquemas muy distintos a la hora de escribir sus sonatas. Algunos continúan con la tradición del siglo XIX, otros han vuelto a los principios clásicos con una claridad formal, y otros utilizan el término sonata en su definición original, como pieza instrumental sin unas características predeterminadas. De esta manera, como elemento de inspiración del compositor, se sugiere al oyente la tradición del pasado, y no los significados que fue adquiriendo durante el Barroco, el Clasicismo, y el Romanticismo.

Bertold Hummel (1925- 2002)
Sonatina nº 1 para viola y piano, Op. 35b.

Músico alemán del siglo XX. Entre los años 1947 y 1954, estudia composición con Harald Genzmer, y violonchelo con Atis Teichmanis, en la Academia de Música de Friburgo.

Trabaja como maestro de coro en la Iglesia de San Konrad de Friburgo, desde 1956 a 1963, año en que es nombrado profesor de composición en el Conservatorio de Música de Würzburg, donde además dirige su “Studio für Neue Musik” durante los veinticinco años siguientes.Ha ganado numerosos premios, convirtiéndose en el año 1982 en miembro de la Academia de Bellas Artes de Baviera.

Hummel compone más de doscientas obras de todos los géneros, entre las que destaca su 3ª Sinfonía “Jeremia”, op. 100; “Visionen” para orquesta; y su Concierto para percusión y orquesta. En el año 1971, escribe la sonatina para viola y piano que vamos a escuchar en el concierto, formada por tres movimientos: Maestoso- Elegie- Finales Vivace.

Obra inspirada en la estructura de la forma sonata, con la tradicional exposición bitemática.

La imagen que aparece en este documento ha sido tomada de la página web diseñada para la difusión de su obra. http://www.bertoldhummel.de/

La forma sonata en el siglo XIX

En el Conservatorio Profesional de Música “José Castro Ovejero” de León, se realizó el pasado miércoles, 3 de Diciembre, un concierto didáctico sobre “La forma sonata del siglo XVII al XX”. Aquí os dejo las notas al programa con información del concierto.

En el siglo XIX, la forma sonata, sobre todo a través de las sonatas de Beethoven, influye en los compositores románticos. Franz Schubert, Robert Schumann y Johannes Brahms entre otros, hacen uso del principio teórico de la sonata en sus composiciones, pero en su escritura no tienen en cuenta su esquema tradicional sino que componen sus movimientos sin las relaciones tonales clásicas.

La sonata romántica, a diferencia de la sonata clásica, es más extensa la sección del “Desarrollo” que la de la “Exposición”, tomando prestados elementos de la Fuga y la Variación para expandir la duración de la obra.

Camille Saint- Saëns (1835- 1921)
Sonata para clarinete y piano, Op. 167

Compositor francés del último periodo romántico, se le considera protagonista de la nueva música francesa, que condujo a Debussy y a Ravel.

Profesor de Fauré, entre otros, y difusor de la música francesa a través de la “Sociêté Nationale de Musique”, de la cual es fundador.

Sus más de 400 obras aboradan casi todos los géneros musicales, y presentan tal perfección de escritura que ha motivado que a sus obras se las tache de “académicas”. Suelen ser calificadas como “lógicas y limpias, profesionales y nunca extensas”.

Su sonata para clarinete y piano sigue la tradición clásica francesa, es precisa en el detalle y la forma, y combina el estilo lírico de la música francesa del siglo XIX con una gran calidad formal.

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La forma sonata a partir de la segunda mitad del siglo XVIII

En el Conservatorio Profesional de Música “José Castro Ovejero” de León, se realizó el pasado miércoles, 3 de Diciembre, un concierto didáctico sobre “La forma sonata del siglo XVII al XX”. Aquí os dejo las notas al programa con información del concierto.

A partir de la segunda mitad del siglo XVIII, se produce un cambio en la estructura de la sonata. Se abandona los antiguos esquemas barrocos, diferenciándose tanto en el número y carácter de sus movimientos, como en el número de instrumentos que intervienen. Las sonatas de Carl Philip Emanuel Bach fueron precedentes de las piezas escritas por Haydn, construidas con una estructura tripartita, allegro- adagio- allegro, y en base a un tema que sufre diversas variaciones a lo largo de la obra.

Los compositores Haydn y Mozart fijan el esqueleto formal, en donde organizan su música según un esquema de relaciones tonales, conocido como “forma sonata”. En ella se dispone el discurso musical en tres secciones: la “Exposición” de ideas, en la que el tema principal está en la tonalidad de la obra y su segundo tema en el relativo mayor o en el de la dominante.

En la sección central, el “Desarrollo” de las ideas, el compositor transforma los temas con cambios de tonalidad, empleando toda su creatividad. En la última sección, la “Reexposición” como síntesis de las ideas, se repite de nuevo la exposición, pero ahora el segundo tema se encuentra también en la tonalidad principal, reafirmando el carácter tonal de la obra.

Imagen tomada de la página web
http://recursos.cnice.mec.es/musica/provisionales/contenidos/formas/formasonatada.htm

Franz Joseph Haydn (1732- 1809)
Trio en Re Mayor, para flauta travesera, violonchelo y piano, Hob XV, nº 16

Compositor austriaco del Clasicismo, comienza su enseñanza musical con el maestro de escuela y director de coro, Johann Matthias Franck.

En un principio se gana la vida dando clases particulares de música, tocando el órgano en ceremonias religiosas, y el violín en bailes populares.

La obra de este compositor, en palabras del historiador Donal Grout “… se caracteriza por la unión de refinamiento y honesta artesanía, humildad, pureza de intenciones y un infalible contacto espiritual con la vida de la gente común de la que provenía”.

Para el conde von Morzin escribió varias obras de cámara, como el Trio para instrumentos de cuerda que vamos a escuchar en el concierto. La obra, en tres tiempos, desarrolla la forma sonata en su primer y tercer movimiento, conservando el estilo tradicional austriaco propio de los compositores de la corte de principios del siglo XVIII. El primer movimiento que escuchamos está protagonizado por un sencillo tema, lleno de gracia y vitalidad, que ofrece al oyente una voz principal que se deja acompañar en su canto.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756- 1791)
Eine Kleine Nachtmusik, K. 525. 1er movimiento, Allegro
Arreglo para clarinete, dos violas y violonchelo

Compositor del clasicismo vienés, domina todas las estructuras formales y géneros de su época. En una carta del año 1778 dirigida a su padre, escribe “… usted sabe, puedo adoptar o imitar más o menos cualquier clase y estilo de composición”.

Dentro de su composición musical, es notable su música de cámara, o música de salón de aquella época. La serenata nº 13 para cuerda en sol mayor, más conocida como Eine Kleine Nachtmusik, fue escrita en el año 1787 en Viena, para un conjunto de cámara de dos violines, viola y chelo. Tiene un carácter ligero y desenfadado, y presenta la misma ordenación de movimientos y desarrollo temático que Haydn, pero ofrece al oyente nuevos elementos destinados a crear sentimientos opuestos, presagiando ya la sensibilidad romántica.

El primer movimiento en forma sonata, es uno de los pasajes más reconocidos de su música. Comienza con el tema principal en sol mayor ascendiendo impetuosamente como un tema de Mannheim. El segundo tema, más elegante, se encuentra en re mayor, el tono de la dominante. La sección de la exposición, que se repite, finaliza en la tonalidad principal. La sección central, el desarrollo, comienza en re mayor, modulando a las tonalidades menores de re y do, antes de volver a la tonalidad de sol mayor para dar paso a la reexposición. En esta última sección, como es habitual, ambos temas se presentan en la tonalidad de la tónica, sol mayor.

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La forma sonata, de finales del siglo XVI a mediados del XVII

En el Conservatorio Profesional de Música “José Castro Ovejero” de León, se realizó el pasado miércoles, 3 de Diciembre, un concierto didáctico sobre "La forma sonata del siglo XVII al XX". Aquí os dejo las notas al programa con información del concierto.

La “forma de sonata” es la estructura compositiva de algunos géneros musicales. Sinfonías, sonatas, conciertos para instrumento solista y orquesta, así como los géneros camerísticos, se han compuesto basándose en esta forma que aparece en uno de sus movimientos. Para comprender la evolución que tuvo esta estructura formal, en primer lugar debemos distinguir entre, la sonata como forma musical, estructura del primer o/ y último movimiento de la obra, y la sonata como género musical, obra de varios movimientos. En este concierto vamos a realizar un recorrido por el cultivo de LA SONATA COMO FORMA MUSICAL.

De finales del siglo XVI a mediados del XVII, el término “sonata” no significaba más que música para ser “sonada”. Se empleaba para distinguir una composición instrumental de forma libre, de la música para ser “cantada”, cantata, y de otras formas instrumentales como el ricercare y la tocata.

Giovanni Paolo Cima (1570- 1622)
Sonata en Re menor, para flauta y bajo continuo. (Milán, 1610)

Compositor italiano del Barroco temprano, fue contemporáneo de Claudio Monteverdi y Girolamo Frescobaldi. Como maestro de capilla y organista de Santa María de San Celso de Milán compone sus obras sacras, entre las que destaca los motetes (1599) y el Concerti ecclesiastici (1610), en la que se incluye seis sonatas para 2 a 4 instrumentos con continuo.

Las diversas combinaciones de instrumentos con acompañamiento de bajo continuo, constituyen la regla general en la interpretación de la sonata de este periodo.

En el concierto, vamos a escuchar una de las sonatas de Cima en la tonalidad de re menor. La obra consta de un solo movimiento dividido en secciones contrastantes, en las que el compositor combina el timbre agudo de la flauta de pico, que interpreta la melodía, con el bajo continuo, que unas veces realiza función de acompañamiento y otras, desarrolla una función melódica, imitada posteriormente por la flauta. En esta obra se percibe la herencia de la música vocal, y esto se pone de manifiesto en la partitura, separada del instrumento melódico, al que llama “Canto”.

La obra es una pieza instrumental sin un esquema formal prefijado, y caracterizada por la presencia de un tema con el que el compositor refleja su sentir poético instrumental.

Esta sonata muestra el punto de partida hacia el posterior desarrollo de la sonata da chiesa, (sonata de iglesia), obra de cuatro movimientos, y la sonata da camera (sonata de cámara), obra de movimientos cortos con origen en la danza.

Nicolas Chédeville (1705–1782)
Sonata VI en Sol menor. “Il Pastor Fido”, Op. 13. (París, 1737)

Compositor francés del Barroco, comienza su aprendizaje con su tío y padrino Louis Hotteterre. Al comienzo de su carrera musical, toca el oboe y la musette, típico instrumento de viento de la música barroca francesa. Como profesor enseña la musette a la Princesa Victoria y es muy reconocido entre la aristocracia francesa de su época.

Entre sus composiciones, destinadas a divertir a ricos y músicos aficionados, vamos a disfrutar con una de las seis sonatas que publica en el año 1737, incluida en una colección titulada “Il Pastor Fido”. Chédeville escribe estas obras bajo el nombre de Antonio Vivaldi, quizás por intentar dar a la musette el respaldo de un gran compositor, o porque así mejoraría su venta.

La sexta sonata al estilo italiano, falsamente atribuida a Vivaldi, constituye una variante de la sonata primitiva, sonata da chiesa. En este caso excepcionalmente, el primer, segundo y último movimientos son rápidos y el tercero es lento: Vivace. Fuga da capella. Largo. Allegro ma non presto. Tanto en el movimiento lento como en los rápidos se desarrolla el tema principal dentro del ámbito de una tonalidad base, a partir de la cual se modula hacia otras tonalidades relativas, para regresar finalmente a la tonalidad inicial.

En el segundo movimiento de la sonata, el compositor utiliza una forma musical muy frecuente en el periodo barroco llamada fuga, integrándola dentro de la otra forma musical naciente: la sonata. En este movimiento escucharemos dos temas, uno en valores largos y otro en figuras rápidas, típico éste de una concepción muy italiana. Destaca del cuarto movimiento su coincidencia temática con el primer Allegro del concierto para violín Op. 4 nº 6 de A. Vivaldi, lo que nos demuestra que el autor de esta obra, bebió en las fuentes de la obra del italiano, muy conocida y tocada en Francia es esa época.

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Conciertos para jóvenes de Leonard Bernstein

Las 15 "lecciones" magistrales que contiene el libro de Leonard Bernstein "El maestro le invita a un concierto" revolucionaron, ya en los años setenta, los fundamentos de la pedagogía musical. Por entonces el compositor y director de orquesta, Leonard Bernstein (1918-1990) al frente de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, presentaba en televisión sus famosos "Conciertos para jóvenes", y explicaba de forma amena y didáctica algunos conceptos de la música: la melodía, el contrapunto, los acordes, qué es un concierto, la música sinfónica, cómo suenan los diferentes instrumentos, etc.

Los 15 conciertos transcritos al libro "El maestro le invita a un concierto" son:


1. ¿Qué significa la música? (concierto del 18/01/58)


2. ¿Qué hace que la música suene “Americana”? (concierto del 1/02/58)


3. ¿Qué es la orquestación? (Concierto del 8/03/58)


4. ¿Cómo se hace la música sinfónica? (Concierto del 13/12/58)


5. ¿Qué es la música clásica? (Concierto del 24/01/59)


6. El humor en la música (Concierto del 28/02/59)


7. ¿Qué es un concierto? (Concierto del 28/03/59)


8. Música folclórica en la sala de conciertos (Concierto del 9/04/61)


9. ¿Qué es el impresionismo? (Concierto del 1/12/61)


10. ¿Qué es una melodía? (Concierto del 21/12/62)


11. ¿Qué es la forma sonata? (Concierto del 6/11/64)


12. Un homenaje a Sibelius (Concierto del 19/02/65)


13. Átomos musicales: un estudio de los intervalos (Concierto del 29/11/65)


14. ¿Qué es un modo? (Concierto del 23/11/66)


15. El “viaje” deBerlioz(Concierto del25/05/69)

1.- ¿QUÉ SIGNIFICA LA MÚSICA?

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¿Qué significa la música?, del año 1958, trata de la música programática, la música descriptiva y todas esas músicas con algún referente extramusical.

2.- ¿QUÉ HACE QUE UNA MÚSICA SUENE "AMERICANA"?

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Bernstein continúa explorando las características musicales de distintas naciones, como vimos en el concierto acerca de la música folclórica, para averiguar de qué fuente bebe la música estadounidense.

Este concierto incluye la sorpresa final de ver al propio Aaron Copland dirigiendo.

3.- ¿QUÉ ES LA ORQUESTACIÓN?

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El timbre, el color de la música es el tema de este vídeo.

Leonard Bernstein selecciona obras de algunos de los grandes genios de la orquestación, para mostrarnos el sonido peculiar de los instrumentos de la orquesta y para explicar la importancia de la elección del timbre en la música: Rimski-Korsakov, Stravinsky, Beethoven... y, para terminar, la obra que ilustra a la perfección el tema, el "Bolero" de Ravel. Porque, como su autor afirmaba, no es más que "una orquestación sin música".

4.- ¿CÓMO SE HACE LA MÚSICA SINFÓNICA?

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... la música sinfónica comprende los conciertos de orquestas sinfónicas al completo, con o sin acompañamiento coral...

5.- ¿QUÉ ES LA MÚSICA CLÁSICA?

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Algunos términos musicales están tan ampliamente extendidos que resulta casi imposible no utilizarlos a pesar de ser conscientes de lo realmente inexactos que resultan. Música “clásica” es uno de ellos. Bernstein nos explica en este vídeo qué es la música clásica.

6.- EL HUMOR EN LA MÚSICA

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En este concierto Leonard Bernstein aclara con ejemplos musicales de qué modo el humor puede transmitirse mediante la música… como siempre, con un estupendo sentido del humor.

7.- ¿QUÉ ES UN CONCIERTO?

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Un recorrido por la historia de la forma concierto desde el barroco hasta el siglo XX. Debemos tener en cuenta que en el tiempo transcurrido desde la interpretación de este concierto hasta hoy en día, se ha recorrido un larguísimo camino en la interpretación de la música antigua.

8.- MÚSICA FOLCLÓRICA EN LA SALA DE CONCIERTOS

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Bernstein escoge algunos ejemplos que ilustran las citas del folclore más o menos explícitas en obras sinfónicas, no sólo nacionalistas... incluso establece un paralelismo entre el sonido de una lengua y el ritmo musical de su folclore.

(La calidad del video no se encuentra en buenas condiciones; tiene un molesto movimiento que afecta a la imagen y al sonido).

9.- ¿QUÉ ES EL IMPRESIONISMO?

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El impresionismo es explicado por Leonard Bernstein a través de dos imágenes de la Catedral de Rouen: una fotografía y uno de los muchos cuadros que esta catedral inspiró al pintor impresionista Claude Monet.

10.- ¿QUÉ ES UNA MELODÍA?

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De los elementos fundamentales de la música, la melodía es la que más se identifica con la propia música... muchas veces confundimos los términos, y utilizamos "música" cuando queremos decir "melodía".

Bernstein dice que la melodía es el "lado cantarín" de la música, mientras que el ritmo es su "lado bailarín"... o que es "la carne con patatas" de la música, es decir, su plato fuerte.

11.- ¿QUÉ ES UNA FORMA SONATA?

12.- UN HOMENAJE A SIBELIUS

13.- ÁTOMOS MUSICALES: UN ESTUDIO DE LOS INTERVALOS

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Un concepto elemental para comprender el lenguaje de la música es el de intervalo, distancia entre dos notas musicales...

14.- ¿QUÉ ES UN MODO?

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El uso de un modo en una pieza o fragmento musical se conoce como «modalidad». Cuando se utiliza más de un modo simultáneamente se habla de polimodalidad...

15.- EL "VIAJE" DE BERLIOZ

Otros "Conciertos para jóvenes" presentados en Televisión Española:

16. ¿Quién es Gustav Mahler? (Concierto del 7/02/60)


17. Feliz Cumpleaños, Igor Stravinski (Concierto del 26/03/62)


18. El Espíritu Latinoamericano (Concierto del 8/03/63)


19. ¿Tienes musicalidad? (Concierto del 26/05/68)


20. Fidelio (Concierto del 29/03/70)


21. Jazz en la sala de conciertos

16.- ¿QUIÉN ES GUSTAV MAHLER?

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Gustav Mahler (7 Julio de 1860. Kaliště, Bohemia, actualmente República Checa - 18 Mayo de 1911. Viena), compositor y director de orquesta bohemio-austriaco.

17.- FELIZ CUMPLEAÑOS, IGOR STRAVINSKI

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Una forma emocionante de felicitar a Igor Stravinski en su 80 cumpleaños, dedicado íntegramente al compositor ruso, una de las figuras esenciales de la música del siglo XX.

Bernstein y Stravinsky... y su universo musical, mágico, vital, original, colorista, y siempre moderno y deslumbrante.

18.- EL ESPÍRITU LATINOAMERICANO

19.- ¿TIENES MUSICALIDAD?

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¿Tienes musicalidad? Pregunta que Leonard Bernstein responde y explica en este concierto para jóvenes.

Resulta clarificadora su explicación y su gran capacidad para transmitir no sólo la música sino también, las palabras y las ideas.

20.- FIDELIO

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“Fidelio o el amor conyugal”, ópera en dos actos con música de Ludwig van Beethoven y libreto en alemán de Joseph F. Sonnleithner, Stephan van Breuning y Georg Friedrich Treitschke, basado en la obra francesa de Jean-Nicolas Bouilly.

Es la única ópera que compuso Beethoven. La ópera cuenta cómo Leonora, disfrazada como un guardia de la prisión llamado "Fidelio", rescata a su marido Florestán de la condena de muerte por razones políticas.

21.- JAZZ EN LA SALA DE CONCIERTOS